Historia del Jazz: Jazz en Chicago

“El Jazz perdurará mientras la gente lo escuche con los pies y no con la cabeza”, dijo el director de orquesta norteamericano John Philip Sousa. Y así fue que con las bandas de Nueva Orleans con Buddy Bolden se tocaba música para que la gente bailara.

La Banda de Buddy Bolden , Nueva Orleans, c. 1905
Se dice que Charles «Buddy» Bolden fue el primer músico en tocar música de Jazz. Si bien esto es debatible, queda claro que la música de Bolden ayudó a formar el movimiento de Jazz

El Jazz es un género musical nacido a mediados de 1800 en Estados Unidos que se expandió de forma global.

Jazz es una forma de expresión espontánea que se crea en el momento. Es improvisación, libertad, canto de protesta y de marginación. Música que no se lee en ninguna partitura.

El Jazz primitivo era una música para expresar amor y dolor. Una música para contar la vida del héroe, las amarguras y desencantos de cada día. Era una válvula de escape emocional ante las frustraciones del hombre negro en el mundo del hombre blanco.

Su comienzo es un tanto peculiar: los esclavos de origen africano, residentes de las zonas sureñas de los Estados Unidos – estados de Alabama, Louisiana, Georgia – tenían por costumbre manifestar sus tradiciones tocando diferentes tipos de tambores y cantando.

A causa de la restricción por ley de esta rutina, recurrieron a la percusión mediante las palmas de las manos y el batir de los pies para disfrutar de sus fiestas y su música.

Esclavos disfrutando de su música y danzas en la Plaza del Congo, Nueva Orleans –
por el artista afroamericano Ted T. Ellis

El mercado de esclavos africanos tuvo un saldo de 15 millones de hombres, mujeres y niños, vendidos en distintas zonas del mundo. La mayor parte de esta cifra fue a parar a Norteamérica.

Los campos de algodón y tabaco exigían mucha mano de obra. El negro africano era fuerte y trabajaba por un pequeño jornal: choza y comida. Fuera de eso, nada poseía, excepto el recuerdo de las danzas y cantos de su África natal. La música era fundamental para el africano y la música iba a ayudarle a soportar la angustia de la esclavitud.

Los negros africanos eran poseedores de un gran sentido religioso y estaban acostumbrados a iniciar sus ritos religiosos con canciones y bailes. Pronto empezaron a introducir palmas y movimientos rítmicos en las reuniones de los campamentos del Sur. De manera espontánea, los negros fueron hilvanando himnos religiosos: los Spirituals o Espirituales.

Spirituals o danzas rituales africanas

A estos temas de oración y súplica se agregaron las canciones de trabajo. El esclavo se dio cuenta de que era mucho más fácil trabajar cantando. Los peones, los estibadores, los presos, los obreros portuarios y del ferrocarril cantaban. Un guía improvisaba y los demás respondían con murmullos o gritos.

La sencillez de estas frases fue evolucionando hasta convertirse en poesía, tanto que las letras del Blues (Blues se traduce como melancolía, tristeza) eran una poesía popular. Los Spirituals y los Blues fueron la semilla y evolucionaron hasta crear su propio lenguaje: el Jazz.

Este tipo de expresión urbana comenzó en Nueva Orleans a fines de los 1800s.

‘Up from the Streets. Nueva Orleans: La Ciudad de la Música’ – Trailer

Los orígenes del Jazz antes de 1895

La historia y cultura únicas de Nueva Orleans serán útiles para entender el desarrollo del Jazz. La ciudad fue fundada en 1718 como parte de la colonia francesa de Louisiana. Los territorios de Louisiana fueron cedidos a España en 1763, pero fueron devueltos a Francia en 1803. Francia vendió casi inmediatamente la colonia a los Estados Unidos en la Compra de Louisiana.

Nueva Orleans se diferenciaba mucho del resto de los Estados Unidos. La cultura era católica y francófona mientras que el resto del país era protestante y anglosajona.

La cultura de la colonia se enriqueció no solo de Europa sino también de África. A fines de la década de 1700s, las personas de ascendencia africana, tanto libres como esclavas, constituían más de la mitad de la población de Nueva Orleans. Muchos llegaron a través del Caribe y trajeron consigo las tradiciones culturales de las Indias Occidentales.

Los franceses les habían permitido a los africanos tocar sus tambores. El esclavo podía ser libre un domingo por la tarde.

A mediados de 1700s, los esclavos se reunían socialmente los domingos en un mercado, el área se conocía como Congo Square (Plaza del Congo), cerca de lo que actualmente es el French Quarter. Esa expresión de libertad todavía resuena hasta hoy.

La bamboula y otros bailes africanos se realizaban en la Plaza del Congo los domingos por la tarde. Los recién llegados anglo-protestantes a Nueva Orleans quedaban fascinados y horrorizados por la escena

La diversidad étnica aumentó aún más durante los 1800s. La era industrial estadounidense estaba creciendo rápidamente, dando muchas oportunidades de trabajo para ciudadanos e inmigrantes por igual en busca de mejor calidad de vida.

Muchos inmigrantes alemanes e irlandeses llegaron antes de la Guerra de Secesión (1861-1865), y el número de inmigrantes italianos aumentó poco después. La concentración de nuevos inmigrantes europeos en Nueva Orleans fue única en el Sur.

Esta rica mezcla de culturas en Nueva Orleans resultó en un considerable intercambio cultural. La ciudad se hizo famosa por sus festivales, comida y especialmente por su música.

Los festejos de Mardi Gras (carnaval) en Nueva Orleans entre 1890 y 1910

Distintas tendencias musicales comenzaron a desarrollar elementos de fusión de las tradiciones musicales del África occidental con estructuras armónicas europeas. Cada grupo étnico en Nueva Orleans contribuyó al desarrollo del Jazz.

A partir de la Guerra de Secesión, surgieron importantes cambios en la vida musical estadounidense. En 1865 los esclavos fueron declarados libres.

Cantantes de Spirituals, ‘The Fisk Jubilee Singers’ (1872). Sentados (Izquierda a Derecha): Minnie Tate, Greene Evans, Jennie Jackson, Ella Sheppard, Benjamin Homes, Eliza Walker. De pie : Isaac Dickerson, Maggie Porter, Thomas Rutling

En Nueva Orleans, los antiguos esclavos descubrieron las tiendas de instrumentos musicales y la posibilidad de comprarlos.

Antes habían tenido que fabricar sus propios instrumentos con calabazas, huesos, ralladores, y palanganas de metal. Ahora, además de su banjo y la armónica, podían acariciar un trombón, una corneta, un clarinete, y un tambor.

El tema estaba en que el ex esclavo no tenía idea de lo que era una partitura, ni solfeo, ni notas. Desconocía cualquier tipo de técnica musical. Solo sentía la música y era capaz de improvisar.

Pero el negro tuvo una idea: tocar como cantaba. Los instrumentos musicales serían una extensión de su voz y así empezó el largo aprendizaje que hizo posible el Jazz.

Si una banda militar salía a la calle para desfilar, el negro se ponía en primera fila a escuchar. Si iba a la iglesia, no se perdía estrofa de la música sacra.

Poco a poco fue mezclando unos ritmos y otros, añadiendo el batir de palmas, el golpeteo de los pies. Luego incorporó sus Spirituals y Blues de la esclavitud. Su música empezaba a nacer. Salía del alma y era poética.

En la época anterior al entretenimiento masivo, se necesitaban artistas en vivo para proporcionar música para una variedad de lugares, eventos sociales y para diferentes audiencias: carnavales, salones de baile, funerales, desfiles, picnics, manifestaciones políticas, y fiestas.

La demanda de música en vivo llevó al surgimiento de bandas profesionales de músicos afroamericanos. Y también dio lugar a la aparición de nuevos estilos musicales, como el Ragtime en 1870, que fueron los antecedentes del Jazz que hoy conocemos.

Scott Joplin (1868-1917), compositor y pianista. Joplin alcanzó fama por sus composiciones de Ragtime y fue apodado el ‘Rey del Ragtime

El Ragtime es un estilo musical precursor del Jazz que disfrutó de su máxima popularidad entre 1895 y 1919. Fue una forma de música popular más libre y fluida, sincopada, inyectando armonías europeas con elementos de música rítmica y melódica de Blues por famosas figuras afroamericanas como Scott Joplin y James Scott.

El Ragtime se convirtió en la primera música afroamericana en tener un impacto en la cultura popular.

‘The Entertainer’ – Scott Joplin (1902)

Una tradición musical relacionada surgió en los barrios afroamericanos a fines de la década de 1880.

Los indios de Mardi Gras (carnaval) eran pandillas de negros cuyos miembros se enmascaraban como indios nativos americanos para los desfiles de danza, canto y percusión en el día de Mardi Gras. Los negros sentían una afinidad espiritual con los indios nativos americanos.

Indios de Mardi Gras

Los indios de Mardi Gras se llamaron así en honor a los indios nativos para honrarlos y rendirles respeto por su ayuda en escapar la esclavitud. A menudo, los indios locales aceptaban a los esclavos en su sociedad cuando intentaban liberarse.

La demostración incluía tambores y cánticos de llamada y respuesta que se asemejaban mucho a la música de África occidental y del Caribe. La música de Mardi Gras también forma parte de los comienzos del Jazz.

Varias figuras del Jazz como Louis Armstrong y Lee Collins describieron haber sido influenciados por las procesiones de Mardi Grass cuando eran jóvenes.

Alrededor de 1900, Nueva Orleans era posiblemente la ciudad más cosmopolita de Estados Unidos, con una población de más de 300.000 personas de ascendencia africana, caribeña, inglesa, francesa, alemana, italiana y portuguesa.

Estos números se incrementaron con un flujo constante de marineros, militares, comerciantes y otros a esta ciudad portuaria en la desembocadura del río Mississippi.

El Jazz se muda a Chicago

La década de 1900’s fue la época del ascenso del Jazz. Nueva Orleans era el lugar para ir si querías escuchar a los mejores músicos de Jazz. Cualquiera de cualquier cultura, tradición musical y etnia estaba en Nueva Orleans, aumentando la diversidad y la variedad.

Muchos de los estilos musicales comunes de la época como Ragtime, Blues y Marching Bands (bandas musicales callejeras) se han compilado en una nueva forma del género musical del Jazz.

La banda musical callejera de Johnny Fischer desfilando en Nueva Orleans (1910)

En Nueva Orleans tenían la costumbre de acompañar los funerales con bandas musicales. Lo hacían de forma lenta, triste y pausada al ir al cementerio y alegre al volver, provocando que la gente fuera bailando tras ellos.

Tanta popularidad adquirieron estas bandas que se las empezó a contratar en los burdeles para tocar música de baile. En 1917, las autoridades cerraron el barrio de burdeles de Storyville, apodado el «Distrito Rojo» de Nueva Orleans, lo que coincidió con la Gran Migración.

Storyville, el «Distrito Rojo» de Nueva Orleans, abierto de 1897 a 1917

En la década de 1920 el Jazz comenzó a trasladarse.

A raíz de la entrada de los Estados Unidos en la Primera Guerra Mundial en 1917, la promesa de empleos manufactureros bien remunerados y una vida mejor en el Norte, atrajo a decenas de miles de afroamericanos del sur del país, cansados de las luchas contra el racismo, los linchamientos y las dificultades económicas, hacia Chicago.

Los migrantes se asentaron en la zona sur de Chicago, un creciente distrito de entretenimiento, que atrajo al mejor talento de Nueva Orleans, Texas y el Delta del Mississippi.

Una escena de Jazz habitual de principios del siglo XX

Este desplazamiento es conocido como la Gran Migración. Fue el movimiento de aproximadamente 6 millones de negros del Sur hacia el Norte y el Oeste de Estados Unidos entre 1915 y 1960.

Durante la ola inicial, la mayoría de los migrantes se mudaron a las principales ciudades del norte como Chicago, Detroit, Pittsburgh y Nueva York.

La demanda de trabajadores por los estados del norte fue el resultado de la pérdida de millones de hombres que se fueron a servir en las fuerzas armadas durante la Primera Guerra, así como de la restricción de inmigración extranjera.

Los migrantes fueron atraídos a Chicago por trabajos en la industria de la manufactura, del acero, el ferrocarril, plantas procesadoras de carnes y otras industrias de la ciudad que le ganaron una gran riqueza.

Algunos sectores de la economía estaban tan desesperados por trabajadores que les pagaban a los negros para emigrar al Norte.

Entre 1916 y fines de la década de 1920, la primera ola de al menos 100.000 migrantes llegó a Chicago. Con ellos, trajeron los sonidos de Jazz y Blues.

La fusión de tradiciones musicales africanas y europeas comenzó en el sur de los Estados Unidos, pero floreció en Chicago y convirtió a la Windy City en la capital mundial del Jazz.

A medida que más músicos llegaban a Chicago, se vieron influenciados por las vistas, los sonidos y los ritmos urbanos. La música evolucionó y creció, y con la ayuda de la industria discográfica de Chicago, el sonido de las bandas se extendió a todos los rincones de Estados Unidos.

Principalmente, la música de Jazz se tocaba en pequeños clubes locales en la zona sur de Chicago en barrios como Bronzeville, conocido como la “Metropolis Negra”, que experimentó una explosión en la población entre 1910 y 1920, en el pico de la primera ola de la Gran Migración.

‘Tin Roof Blues’ – New Orleans Rhythm Kings y Jelly Roll Morton (1923)

La Era del Jazz en Chicago exhibía una rica mezcla de pioneros y maestros originales del Jazz de Nueva Orleans como Joe ‘King’ Oliver, Louis Armstrong, Jelly Roll Morton y un grupo de músicos blancos conocido como The New Orleans Rhythm Kings.

Ferdinand Joseph LaMothe (1890 – 1941), conocido profesionalmente como Jelly Roll Morton, pianista, director de orquesta y compositor de Ragtime y Jazz.
Mejor conocido por influir en la formación del Jazz moderno durante la década de 1920

El oriundo de Nueva Orleans, Jelly Roll Morton, el autoproclamado inventor del Jazz, grababa con su banda los Red Hot Peppers que contaba con algunos de los mismos músicos que tocaban con Oliver y Armstrong.

Estos músicos se convirtieron en parte de una floreciente comunidad afroamericana de la zona sur de Chicago, cuyo distrito de entretenimiento era conocido como The Stroll o El Paseo. El Paseo se convirtió en el corazón del ámbito del Jazz. El Jazz tuvo éxito inmediatamente en Chicago.

La Banda Red Hot Peppers de Jelly Roll Morton tocando «Black Bottom Stomp» (1925)

Salpicado de clubes nocturnos, salones de billar, salones de tatuajes y casas de vodevil, el distrito sur de Chicago se convirtió en el hogar de los 100.000 afroamericanos.

Durante el día, la ciudad era segregada, pero por la noche las diferencias entre blancos y negros se volvían borrosas. La vida nocturna de Chicago no conocía límites y el sonido del Jazz surgía por todos lados.

Chicago brindó grandes oportunidades a los músicos. La metrópolis tenía audiencias, lugares de entretenimiento, y lo más importante, estudios de grabación. Los músicos con visión de futuro que vieron la oportunidad en la nueva tecnología y embarcaron en la discografía, se convirtieron en estrellas internacionales.

A principios de la década de 1920, muchos de los creadores y primeros maestros del Jazz vivían en Chicago, actuando regularmente en lugares como Lincoln Gardens en Bronzeville y grabando exitosos discos.  

Flappers (1920)

Las flappers eran una generación de mujeres jóvenes de la década de 1920 que usaban vestidos más cortos y provocativos (por la rodilla era corto en ese tiempo), se cortaban el cabello, escuchaban Jazz y hacían alarde de su desdén por lo que entonces se consideraba un comportamiento aceptable.

El término flapper también hace referencia a alguien que bailaba el Charleston, el baile involucra movimientos de brazos, como un pájaro batiendo sus alas

Las flappers eran vistas como descaradas por usar maquillaje excesivo, beber alcohol, fumar cigarrillos en público, conducir automóviles, tratar el sexo de manera informal y por lo demás burlarse de las normas sociales.

El Jazz pasó de ser tocado solo en Nueva Orleans a convertirse en la música dominante en las radios estadounidenses, salones de baile y hogares. La década de 1920 fue también cuando Louis Armstrong se convirtió en una gran figura en el escenario del Jazz.  

Louis ‘Satchmo’ Armstrong

El trompetista Louis ‘Satchmo’ Armstrong, uno de los mejores músicos de Jazz de todos los tiempos, llegó a Chicago de Nueva Orleans en 1922 para unirse a la banda de su mentor, Joe ‘King’ Oliver.

Lo Mejor de Louis Armstrong

Armstrong creó un nuevo sonido conocido como Scat, cantando sílabas sin sentido en lugar de letras, usando su voz como otro instrumento. Había cambiado la corneta asociada con la música de Nueva Orleans por la trompeta con un tono y un concepto que impulsarían la próxima Era del Swing.

Ella Fitzgerald y Louis Armstrong en ‘Summertime

Chicago pronto desarrolló la reputación de ser el centro nacional de grabación de Blues y Jazz con la música de los negros del Sur capturada en grabaciones de los años 1930, 1940 y 1950 por discográficas como Bluebird y Chess Records.

Paralelamente al estilo ‘Jazz de Nueva Orleans’, inspirado en la tradición del Blues e interpretado por músicos de raza negra, se desarrolla el estilo Dixieland, que utiliza además elementos del Ragtime y tiempos más rápidos, siendo preferentemente interpretado por músicos blancos.

Al principio, el estilo de música de Jazz que se tocaba en Chicago era una mezcla del estilo Dixieland, a veces conocido como Hot Jazz o Jazz Tradicional. Es un estilo de Jazz basado en la música que se desarrolló en Nueva Orleans a principios del siglo XX.

Este estilo nació de las bandas musicales callejeras. Cuando estas bandas dejaron de desfilar asentándose en un lugar fijo se introdujo la batería y luego el contrabajo. El banjo se cambió por el piano. 

Los mejores artistas del Jazz Dixieland

Originalmente, este estilo se interpretaba en el popular barrio de Nueva Orleans, conocido como Storyville, donde se mezclaba con la prostitución al tocarse en los lugares de diversión.

Este aspecto lúdico creará una mala reputación a este tipo de música, considerada por los elementos conservadores de la sociedad como música poco deseable. 

La banda The Original Dixieland Jazz Band, que grabó su primer disco en 1917, fue la primera vez que la música de Jazz se llamó Dixieland, aunque en ese momento, el término se refería a la banda, no al género. Mucho más tarde, el término Dixieland fue aplicado al Jazz comenzando en los años 1940 y 1950.

La banda The Original Dixieland Jazz Band (1917)

Un movimiento de renacimiento del Jazz tradicional, formado en reacción a los sonidos orquestados de la era del Swing de la década de 1930 y el caos percibido de los nuevos sonidos del BeBop de la década de 1940 (referido como «música china» por Louis Armstrong), revivió el estilo Dixieland de la olvidada banda y se lo adoptó al género de Jazz que promovían estos músicos.

El nombre Dixieland es una referencia al «Viejo Sur», específicamente al sur de la frontera Mason-Dixon de la época de la América colonial, una referencia a los estados sureños anteriores a la Guerra de Secesión.

Los All-Stars de Louis Armstrong fue la banda más popularmente identificada con el Dixieland durante la década de 1940.

Reviviendo el Jazz – Louis Armstrong y su banda All-Stars (grabación 1950)
De izquierda a derecha: Cozy Cole, Jack Teagarden, Louis Armstrong, Arvell Shaw,

Barney Bigard, Earl Hines

El estilo clásico de Nueva Orleans ya había comenzado a cambiar en deferencia a los gustos locales.

Los propietarios de los locales de Chicago, el público y los músicos esperaban que se manejara un Jazz más sofisticado en entornos elegantes, lugares como los teatros Grand y Vendome, el Dreamland Ballroom y clubes con nombres elegantes como Royal Gardens Cabaret, Elite, Panamá y Sunset Café. Aquí nace la Escuela de Chicago. 

La Banda de Carroll Dickerson en Sunset Café (1922)

El Sunset Café, abierto en Bronzeville en 1909 como un garaje al principio, el edificio luego se convirtió en Sunset Café en 1921. Era uno de los mejores locales de Jazz de la ciudad.

Anuncio de entretenimiento del famoso Sunset Café en Chicago

Según se dice, Sunset Café fue propiedad de Louis Armstrong y Al Capone en diferentes momentos.

Entre los muchos artistas legendarios que actuaron allí están Charlie Parker, Ella Fitzgerald, Benny Goodman y Bix Beiderbecke. Tommy and Jimmy Dorsey, Bud Freeman and Muggsy Spanier también frecuentaban el club regularmente.

Charlie Parker, con el nombre de Charles Parker, Jr., también llamado Bird o Yardbird, (1920-1955), saxofonista, compositor, y líder de banda, considerado el mejor saxofonista de Jazz. Parker fue el principal estímulo del BeBop y, junto con Louis Armstrong y Ornette Coleman, fue uno de los tres grandes genios revolucionarios del Jazz

Sunset Café convertido en una ferretería y actualmente en una tienda de indumentaria, aún conserva intactos los murales de la época del Jazz en la pared del antiguo escenario.

El viejo mural del escenario de Sunset Café

De 1917 a 1922, la Creole Jazz Band de Joe “King” Oliver, que actuaba en el Royal Gardens Cabaret, incluía a fuertes instrumentistas como el trompetista Louis Armstrong, el clarinetista Johnny Dodds y el baterista Warren «Baby» Dodds.

Creole Jazz Band de ‘King’ Oliver en el Royal Gardens Cabaret en Chicago c. 1919

Armstrong había sido contratado como el segundo trompetista de la Creole Jazz Band poco después de llegar a Chicago. Mientras estaba en la banda conoció a la pianista Lil Hardin, quien en 1924 se convirtió en Lil Hardin Armstrong, su esposa.

A instancias de Lil Hardin, Armstrong dejó la banda de «King» Oliver en junio de 1924 para formar su propio grupo, llevándose a los músicos de Oliver para formar los Hot Five y Hot Seven.

Louis Armstrong y su banda Hot Five (1926) . De izquierda a derecha: Louis Armstrong en piano con una trompeta, Johnny St. Cyr con banjo, Johnny Dodds , Kid Ory, Lil Hardin Armstrong

Este estilo de interpretación fue adoptado por músicos blancos. Era común que los músicos blancos se dirigieran al Paseo después de sus actuaciones en la zona norte de Chicago para ver qué podían asimilar.

Entre los que aparecían regularmente para ‘lecciones de música’ en los clubes de la zona sur estaban el trompetista Jimmy McPartland, saxofonista Bud Freeman, clarinetista Frank Teschemacher, baterista Dave Tough, pianista Joe Sullivan, y el director musical Eddie Condon, a quienes se les atribuiría a la creación del Jazz ‘estilo Chicago’ de mediados de los años 20.

El énfasis en los solistas, los ritmos más rápidos, el contrabajo y la guitarra (remplazando la tuba y el banjo tradicionales) y también los saxofones distinguen al estilo de Chicago del estilo de Nueva Orleans.

La migración combinada con la tecnología de grabación y la Prohibición (Ley Seca), llevó el Jazz a un número sin precedentes de audiencias tanto negras como blancas.

Las bandas que emigraron al Norte a las ciudades de Chicago y Nueva York fueron contratadas por clubes que en su mayoría eran propiedad de las mafias, iniciándose así la expansión del Jazz.

Al Capone

El surgimiento de Al Capone y otros mafiosos durante de la Prohibición (1920-1933) convirtieron a Chicago en un bullicioso centro de entretenimiento negro.

Cuando los músicos de Jazz llegaron a Chicago, a menudo eran empleados por los mafiosos. Los gánsteres que gobernaban la ciudad eran protectores de la música, que era una necesidad para sus establecimientos de apuestas ilegales, alcohol y prostitución. Los músicos negros que venían del Sur encontraron un nuevo paraíso en Chicago.

Durante la era de la Prohibición, el Speakeasy o bar clandestino, ayudó a los blancos a escuchar la música de los negros, además el bar clandestino lo comercializaba como una música divertida y fascinante.

Green Mill Jazz Club en el barrio de Uptwon, Chicago

En Chicago el club de Jazz Green Mill en el barrio de Uptown define la ciudad. Una larga barra recibe al visitante, una luz tenue y ruido constante caracteriza este local que está siempre abarrotado de gente. Un pequeño escenario al fondo es el protagonista.

El Green Mill es una parada imperdible para quien quiera experimentar la música de Jazz de Chicago.

El club abrió en 1907 con el nombre de Pop Morse’s Roadhouse pero en 1910 cuando el bar cambió su nombre a Green Mill – un homenaje al Moulin Rouge de Paris – se convirtió en un hito en el mundo del Jazz.

Cuando la Prohibición llegó a Chicago en los años 20, era uno de los pocos lugares que hacía la vista gorda cuando los clientes sacaban sus anforitas o donde sea que estuviesen transportando su alcohol.

Chica de los años 20 sacando su anforita

El bar se volvió tan popular que entre sus regulares estaba el mafioso de Chicago, Al Capone. Su mano derecha, Jack McGurn, era quien estaba a cargo de manejar el lugar. El bar se volvió en su lugar favorito y buscaba y escogía a varios de los músicos que tocaban ahí.

Cada noche, cuando Capone entraba al bar, el líder de la banda dejaba de tocar lo que sea que estuviera tocando y empezaba a tocar el favorito de Capone, ‘Rapsodia en Azul’ de George Gershwin.

El bar del Green Mill mirando hacia la puerta de entrada

Capone luego tomaba su asiento favorito en la mesa frente a la puerta lateral al final del bar. De esta manera, Capone podía ver claramente quien entraba al bar desde cualquier puerta, ya fuera amigo, enemigo o la policía.

‘When you’re smiling’ – Billie Holiday
Eleanora Fagan (1915-1959), conocida profesionalmente como Billie Holiday, cantante de Jazz con una carrera de casi treinta años. Apodada «Lady Day», Holiday tuvo una influencia innovadora en la música de Jazz y el canto Pop

El Green Mill es responsable de lanzar al estrellato a nombres como Billie Holiday. También en el Green Mill se podían escuchar actuaciones de Tommy Dorsey, Sophie Tucker, Al Jolson, Bix Beiderbecke, Jack Teagarden, y Benny Goodman.

Benny Goodman en «Sing, Sing, Sing» (1934)

El lugar aún conserva parte de su legado clandestino. Una puerta en el piso todavía existe detrás del bar donde un elevador hidráulico traía licor ilícito a los clientes, y conducía a una red de túneles subterráneos debajo del bar que conectaban con otro edificio cruzando la calle.

Estos túneles se utilizaban para traficar alcohol y para que los mafiosos pudieran escapar si llegara a aparecer la policía.

El Green Mill sigue ahí como un recordatorio de la rica música e historia de Chicago promoviendo y agendando a los mejores jazzistas y bandas.

EscenarioNoche de Swing en el Green Mill de Chicago

Se puede ir cualquier noche de la semana y encontrar una sorpresa. Hay noches de Swing donde la idea es “bailar toda la noche”, hay noches de Soul, o de Bebop. Cruzar la puerta del Green Mill es transportarse a otra época.

Puedes encontrar una guía de clubes de Jazz en Chicago en: Los Mejores Clubes de Jazz en Chicago.

El Jazz es un estilo musical que se puede describir de muchas formas: Swing, Rock, Blues, Ragtime, Bebop y Big Band. No se puede describir como una forma sin mencionar otras.

Los Años 30

En los años 30 surge un nuevo estilo popular de Jazz, el Swing junto con las Big Bands consistentes de 18 músicos.

Los más importantes músicos de Jazz se habían trasladado a Nueva York que tenía locales tan famosos como el Cotton Club de Harlem.

Allí nacería el Swing influenciado por la música de origen europeo. Las bandas incrementan sus miembros duplicando instrumentos. Nacen las orquestas de Swing.

Podríamos decir que se trata del tipo de Jazz asimilado por los blancos con la influencia del music hall (salones de baile) y los intereses comerciales. La orquesta de Duke Ellington es uno de los ejemplos más notables de las llamadas Big Bands

Esto sigue siendo un gran éxito en la década de 1940. Conocido por su ritmo muy enérgico, la música Swing llevó a la gente a la pista de baile.

Duke Ellington y su Orquesta
Edward Kennedy «Duke» Ellington (1899 – 1974), compositor, pianista y líder de orquesta de Jazz, que dirigió desde 1923 hasta su muerte en una carrera que abarca más de seis décadas

Algunos artistas de la década son el clarinetista Benny Goodman, la cantante Billie Holiday, Count Basie, Woody Herman, Artie Shaw, Glenn Miller, Tommy Dorsey, y el pianista y líder de orquesta Duke Ellington, considerado por muchos como el mejor compositor en la historia del Jazz.

«Take a Train» – Duke Ellington y Orquesta (1939)

El clarinetista y líder de orquesta Benny Goodman, quien fue el primer músico en actuar junto a una banda racialmente integrada en 1938, se hizo conocido como el ‘Rey del Swing‘ en las décadas de 1930 y 1940, con el baterista Gene Krupa.

Benny Goodman
Benjamin David Goodman nacido en Chicago (1909-1986), clarinetista de Jazz y líder de la banda conocido como el «Rey del Swing». A mediados de la década de 1930, Goodman dirigió uno de los grupos musicales más populares en los Estados Unidos

Los Años 40

A principios de la década de 1940 se produjo una escisión en el Jazz. Durante la Segunda Guerra Mundial las orquestas de Swing no pueden mantenerse y sus miembros se dispersan en pequeñas formaciones. 

Un nuevo estilo se desarrolló a medida que la generación más joven de músicos expandió las posibilidades creativas del Jazz más allá del estilo Swing, que era más popular y orientado al baile, con una nueva «música de músico» que no era tan bailable y exigía escuchar con atención.

Liderados por Charlie Parker y Dizzy Gillespie, regresaron al virtuosismo técnico. Así nace el BeBop o Bop.

Dizzy Gillespie
John Birks Gillespie, (1917-1993), trompetista de Jazz estadounidense, compositor y
director de banda, fue una de las figuras más importantes del movimiento BeBop

El nacimiento del estilo tuvo lugar en 1941 cuando Dizzy Gillespie, Milt Hinton, Charlie Parker, Thelonious Monk y Kenny Clarke se reunieron en Minton’s Playhouse de Nueva York para una serie de conciertos.

Dizzy Gillespie fue uno de los líderes del movimiento con una colección que entró a formar parte del repertorio básico de los músicos BeBop, como ‘A Night In Tunisia‘ o ‘Salt Peanuts‘.

«A Night in Tunisia»Dizzy Gillespie (1945)

Charlie Parker fue el otro gran padre del BeBop, introduciendo un nuevo estilo emocional que quedó inmortalizado en clásicos como ‘Yardbird Suite‘, ‘Ornithology‘, ‘Donna Lee‘, ‘Billie’s Bounce‘ o ‘Anthropology‘, entre muchos otros.

«I’ve Got Rythm» – compuesta por George Gershwin, interpretada por Charlie Parker

BeBop era más rápido y más complejo que cualquier otro estilo anterior y se caracterizaba por la improvisación.

Esta fue la primera vez que el público de Jazz se sentaba para escuchar la música, saliendo de los salones de baile y entrando en bares llenos de humo. El Jazz se estaba convirtiendo en música artística.

Los ritmos se vuelven furiosos con clara influencia de la música afrocubana. Aumentan los solos individuales improvisados acercándose más al Jazz primitivo. Este tipo de música no era un género fácil como lo había sido el Swing, perdiendo la comercialidad.

Ella Fitzgerald, 1946
Ella Jane Fitzgerald (1917-1996), cantante de Jazz, conocida como la Primera Dama de la Canción, la Reina del Jazz y Lady Ella. Ella Fitzgerald fue la cantante de Jazz femenina más popular en los Estados Unidos durante más de medio siglo. Ganó 13 premios Grammy y vendió más de 40 millones de álbumes

Los gustos musicales del público empezaron a separarse prefiriendo a los cantantes de baladas como Frank Sinatra o Bing Crosby.

La música de origen negro se dividía en dos sectores, el Jazz creativo e imprevisible y la parte más comercial o sea más atractiva para el gran público que daría origen al Rhythm & Blues, también conocido como R&B.

Los Años 50

Los músicos de Jazz tienden a no permanecer demasiado tiempo en un género. Después del fin de la era del veloz BeBop, surgió una nueva escena en la Costa Oeste.

En la década de los años 1950 nace el Cool Jazz. En términos generales, el género se refiere a una serie de estilos de Jazz de posguerra que emplean un enfoque más moderado.

El Cool Jazz tiene tempos más relajados en contraste con el estilo más rápido y complejo del BeBop. Cool Jazz a menudo incorpora elementos de música clásica.

«Freddie Freeloader» – Miles Davis (1959)
Miles Dewey Davis III (1926-1991), trompetista, líder de banda y compositor de Jazz nacido en Alton, Illinois. Está entre las figuras más influyentes y aclamadas en la historia del Jazz y la música del siglo XX. Davis adoptó una variedad de direcciones musicales en una carrera que se expande cinco décadas

Algunos grandes nombres del género son Chet Baker, Dave Brubeck, Bill Evans, Gil Evans, Gerry Mulligan, Stan Getz y Miles Davis, quienes estarían a la vanguardia de cada innovación en el Jazz desde fines de los años 40 hasta su muerte en 1991.

Stan Getz
Stanley Getz, (1927-1991), saxofonista tenor de Jazz, más conocido como «The Sound» (El Sonido) debido a su tono cálido, suave y lírico

Por otra parte el Rhythm & Blues clásico nace después de la Segunda Guerra Mundial, derivado del Bebop, el Blues y el Gospel. Uno de sus elementos más característicos es el empleo de la guitarra eléctrica en la década de los años 1950.

Las mejores canciones de R&B (1955-1971)

La generación adolescente, al finalizar la guerra, buscaba un estilo propio. A partir del Rhythm & Blues y de la música blanca denominada Country nacería el Rock and Roll. 

En la década de 1950, la televisión se había extendido ampliamente como una gran fuente de entretenimiento para los estadounidenses. Como resultado, los salones de baile comenzaron a cerrarse en todo el país.

Se introdujo el Rock & Roll y músicos como Elvis Presley se convirtieron rápidamente en furor para los adolescentes estadounidenses.

‘Suspicious Minds’ – Elvis Presley
Elvis Presley interpretando ‘Mentes Sospechosas’ en su concierto en 1970 en Las Vegas

Elvis Aaron Presley (1935-1977), también conocido simplemente como Elvis, cantante, bailarín y actor. Considerado como uno de los íconos culturales más importantes del siglo XX, a menudo se lo conoce como el «Rey del Rock and Roll» o simplemente «el Rey»

Elvis Presley se convirtió en la gran figura del Rock and Roll, un género que se desarrolló rápidamente.

La guitarra amplificada eléctricamente, la batería y el piano fueron sus instrumentos iniciales. Sus acordes provienen directamente del Blues pero empleando un tempo muy rápido.

La improvisación también tiene un papel destacado. De este estilo nacerá toda una generación, que recibe el nombre de Música Rock, popularizándose por todo el mundo. 

¿Cómo comenzó la música Pop?

Justo cuando florecía el BeBop, la Unión de Músicos de los Estados Unidos impuso nuevas reglas para las grabaciones comerciales como parte de una disputa sobre regalías.

Durante más de un año a partir de 1942, a casi ningún músico instrumental se le permitió hacer nuevas grabaciones. Los vocalistas, irónicamente, no se consideraban músicos y estaban exentos de esta restricción.

A los sellos discográficos se les ocurrió la idea de grabar versiones «a capella» completamente vocales de canciones populares, como la canción de Frank Sinatra ‘Close to You‘ de 1943.

‘Boogie Woogie’ – Tommy Dorsey
Primera grabación y primer lanzamiento Tommy Dorsey y su orquesta (16 de septiembre, 1938)
Thomas Francis Dorsey Jr. (1905-1956) trombonista, compositor, director y líder de orquesta de Jazz de la era de las grandes bandas. Era conocido como el «Caballero sentimental del Swing» debido a su trombón de tonos suaves

Antes de la restricción, los vocalistas eran solistas en las grandes bandas, y generalmente cantaban un verso o dos en la mitad de la canción. Pero el trombón de Tommy Dorsey, no la voz de Sinatra, era la característica principal.

Durante la restricción, el público se acostumbró a la música Pop vocal y a partir de esta división a principios de los años 40 entre el Jazz como música artística y la música popular con enfoque vocal, el Jazz se ramifica para dar a luz a la historia del Rock & Roll en los 10 años posteriores.

Los Años 60

En la década de 1960, el movimiento de los derechos civiles tuvo un impacto masivo en el panorama del Jazz.

Los artistas afroamericanos siempre habían querido expresarse en la escena musical. Durante mucho tiempo desdeñaban a las compañías discográficas y los clubes cuyos propietarios eran blancos, ya que eran ellos los que regulaban los ingresos.

Muchos artistas creían que era lo correcto separarse de estos establecimientos, valerse por sí mismos y expresar su opinión al hacer y controlar su propia música.

El Free Jazz (Jazz Libre) nace a fines de la década de 1950 y principios de 1960, liberándose de los elementos tradicionales del Jazz. Es un enfoque experimental de improvisación cuando los músicos intentaron cambiar o romper las convenciones del Jazz.

Los músicos durante este período creían que los estilos que se habían tocado antes eran demasiado limitados. Quisieron crear algo nuevo y explorar nuevas direcciones.

El término Free Jazz a menudo se ha sustituido por el término Avant-Garde Jazz (Jazz de Vanguardia). Los europeos tienden a favorecer el término Free Improvisation (Improvisación Libre).

John Coltrane es uno de sus músicos más ilustres. A esta corriente estilística le seguiría a partir de 1970 el llamado Electric Jazz que utiliza la música electrónica influenciado por el Rock. 

‘My Favorite Things’ – John Coltrane (1961)
John William Coltrane (1926-1967), saxofonista y compositor de Jazz. Estaba a la vanguardia del Free Jazz. Dirigió al menos 50 sesiones de grabación y apareció en muchos álbumes de otros músicos, incluido el trompetista Miles Davis y el pianista Thelonious Monk

La música Soul también nace a comienzos de 1960, combinando elementos de música Gospel afroamericana con el clásico Rhythm & Blues y el Jazz.

‘I say a little prayer’ – Aretha Franklin (1961)
Aretha Louise Franklin (1942-2018) cantante, compositora, actriz, pianista y activista de derechos civiles. Franklin comenzó su carrera de niña cantando Gospel en la Iglesia Bautista New Bethel en Detroit, Michigan, donde su padre C. L. Franklin era ministro. A finales de la década de 1960, Aretha Franklin había llegado a ser conocida como la «Reina del Soul»

La música Soul nace del músico negro americano como una expresión de solidaridad, reclamando su propia identidad. Martin Luther King es uno de sus líderes en la lucha de los derechos civiles.

1970 al Presente

En la década de 1970, el Jazz se vio cada vez más influenciado por el Jazz latino, combinando ritmos de países africanos y latinoamericanos y armonías clásicas tocadas en instrumentos de Jazz típicos.

Artistas como Chick Corea, John McLaughlin y Al Di Meola influyeron cada vez más en el género con la el Jazz Fusion, una forma híbrida de fusión de Jazz y Rock que se desarrolló combinando la improvisación del Jazz con ritmos de Rock, instrumentos eléctricos y el sonido escénico altamente amplificado del Rock.

En la década de 1980, la comunidad del Jazz se redujo drásticamente y se dividió. Un público, en general, mayor de edad retuvo su interés en los estilos de Jazz tradicionales.

Wynton Marsalis se esforzó por crear música dentro de lo que él creía que era la tradición, iniciadas por artistas como Louis Armstrong y Duke Ellington.

A principios de la década de 1980, una forma comercial de Jazz Fusion llamada Pop Fusion o Smooth Jazz se hizo exitosa y popular en las transmisiones de radio. Los saxofonistas de Smooth Jazz incluyen a Grover Washington Jr., Kenny G, Kirk Whalum, Boney James y David Sanborn.

El Jazz está en constante evolución, como siempre lo ha sido y siempre lo será, y continuará tomando nuevas formas.

Nueva Orleans, el Río Mississippi, es aquí donde la música de Jazz ha sido creada. La música norteamericana, el arte norteamericano. Esta es la música de Jazz de Nueva Orleans y nunca va a morir.

El Jazz del siglo XXI continúa construyendo sobre los cimientos establecidos por los músicos de la Gran Migración.


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